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Àmbits d’intrusió (CAS)

Texto curatorial del proyecto Àmbits d’intrusió, en el Centre Cívic Can Felipa, Barcelona, del 26 de enero al 31 de marzo de 2012.

La intrusión es el ámbito del arte contemporáneo. Sin duda, al menos desde que Marcel Duchamp introdujo objetos cotidianos en el contexto del arte, enseñó a mirarlos de otro modo y, por lo tanto, les otorgó una plusvalía para la mirada, la historia (y también el mercado). Después de esta circunstancia, lo atípico será encontrar elementos que hayan hecho avanzar la complejidad de la experiencia estética sin plantear intrusiones, rupturas, sin generar discontinuidad. Un ámbito, físicamente hablando, es el “conjunto de los límites que encierran un espacio”; también es ese “espacio comprendido dentro de ciertos límites, o lugar que se determina de algún modo”. Como tercera acepción, ámbito es “círculo: conjunto de cosas y personas entre las que alguien vive o se desenvuelve”. Por intrusión podemos entender “la acción de introducirse indebidamente en algún sitio”[1]. Sólo cabe sumar ambos conceptos para tener una lectura literal del título de esta exposición y obtener una interpretación ajustada de sus intenciones.

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Tres fotografías de Nobuyoshi Araki

Catálogo de la exposición Barcelona Colecciona, Fundación Francisco Godia, Barcelona, diciembre de 2011.

1. Flores

Aprender a mirar es una labor que dura toda la vida, haciéndose más sofisticados los métodos de observación, ampliándose el microcosmos que actúa como motivo de análisis y, en general, sensibilizando la mirada para captar todo aquello que se nos muestra delante. Con la observación y el análisis fotográfico, la cuestión no es sino más compleja, pues todo lo que allí vemos, en ese espacio recortado, traductor e intérprete de la realidad, es susceptible de ser visto, remirado y analizado hasta el límite.

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La revolución de la imagen impresa

Publicado en VA! Revista de fotografía, nº 1. Noviembre de 2011.

En las revoluciones conviene saber cuáles son nuestras armas. Para ello, es preciso previamente entender qué es una revolución y qué es, o qué puede llegar a ser, un arma. En el ámbito del arte visual, la revolución actual viene dada (e impuesta, tal vez en exceso) por la digitalización de la imagen, por su producción, difusión y consumo sin necesidad de apariencia física. Es por ello importante diferenciar entre imagen y fotografía, entendiendo ésta como la constatación física de una imagen, bien sea para denominarla objeto artístico, bien para que sea “leída” dentro del relato que se genera en el interior de una publicación, bien para que registre acontecimientos y su presencia resulte palpable. Más allá de configurar un lenguaje, las imágenes son un nuevo texto. Esto no impide que sigamos necesitando y empleando las palabras, aunque éstas apenas ya se manuscriban y se generen como imágenes en sí mismas, empleando formatos editables. Las relaciones personales y profesionales interactúan a distancia con una urgencia y una inmediatez desconocidas hasta ahora. ¿Quién puede dudar de que estamos, más que nunca, en continuo proceso?

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La labor del artesano en el laberinto del arte contemporáneo

Texto con motivo de la exposición de Trashformaciones Huesopiel. Castelló, 29 de septiembre – 9 de octubre 2011

El ejercicio de la práctica artística se mueve pendularmente entre la labor del artesano y el oficio del artista. Esta cuestión podría ocupar un lugar predominante en las discusiones estéticas durante mucho tiempo y la sensación final que se obtendría no sería, por necesidad, muy diferente a la de su punto de partida. Una mirada simplista de la situación nos podría llevar a verlo en estos términos: mientras el artesano perfecciona la técnica y la convierte en oficio, el artista la usa a su antojo, haciéndola saltar por los aires si es necesario y otorgándole a la idea certificado de excelencia. Eso dependerá, por otro lado, en gran medida de qué tipo de artista hablemos y cómo entendamos la propia labor artesanal. Otro análisis, no menos incompleto, podría quitarle todo el valor a la máxima “Art as a Idea as Idea” y esperar del arte sólo una narración directa y entendible, mejor cuando más claro y reconocible sea y cuando se encuentre más centrado en la superficie que esa técnica genera. Como punto intermedio, no tanto por encontrar un consenso cuanto por llegar a conclusiones útiles, podríamos centrar el debate en estos términos: la técnica y la idea no debieran ir nunca por caminos paralelos, más bien habrían de confluir siempre y cuando el trabajo artístico en cuestión lo demandase y en el nivel cualitativo que sea necesario. Del mismo modo que no sería aceptable una fotografía de Candida Höfer fuera de foco, tampoco se leería igual, ni sería creíble de la misma manera, una imagen de Nan Goldin perfectamente construida, interpretada, podríamos decir, por parte de algunos de sus protagonistas.

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Entre el no lugar y la tierra de nadie. Un acercamiento a las fotografías de Lynne Cohen

Texto escrito para el catálogo editado por Galería Bacelos, Vigo, con motivo de la exposición de Lynne Cohen.

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Los pies de foto que acompañan las imágenes reproducidas en los medios impresos tienen la propiedad de localizar los lugares donde ocurren los hechos que se muestran, ubicar el suceso en su contexto histórico, nombrar a quien o quienes aparecen en la escena (recortada, fragmentada, encuadrada subjetivamente), situarnos ante una traducción que podría quedar ininteligible o en exceso abstracta, incluso fácilmente manipulable. De esta forma adquirimos información adicional al mismo tiempo que, sin embargo, se nos da pasada por el filtro de su autor o del medio en el cual se publica, surgida de sus propias experiencias o ideología, por más que sólo se basen éstas en el hecho de mostrar adecuadamente la imagen y redactar su escueta leyenda.

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Vecindad, après Tercerunquinto

Texto curatorial sobre la intervención de la obra Vecindad para la exposición Otros fueros, de los artistas Tercerunquinto en EACC-Espai d’art contemporani de Castelló. Catálogo de la exposición e introducción de la publicación Vecindad. 15 de abril – 26 de junio de 2011.

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Determinadas prácticas del arte contemporáneo global plantean una extrañeza sobre su función y sobre los roles que cada agente implicado en su creación, producción, difusión y exhibición debe adquirir o no adquirir en absoluto, a tenor del pálpito de los tiempos donde el deslinde entre funciones específicas e independientes es cada vez menos claro y menos pretendido. La proposición de Tercerunquinto de cuestionar la labor de las partes en juego, plantea la cuestión mayor y más difícil de resolver sobre el qué hacer cuando la especialización -ese poder implícito de los expertos- no sólo no se solicita, sino que se espera disuelta, desgranada, descontextualizada, disfuncional. El planteamiento de Tercerunquinto, por lo tanto, era demasiado atractivo como para dejarlo pasar, pues no hay avance en cualquier ámbito sin crisis previa, es decir, sin desestabilización de las bases que lo sustentan.

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Autoría y autoridad. Sobre la obra de Joxerra Melguizo

Texto realizado con motivo de la publicación  Auctoritas, de Joxerra Melguizo, publicado por el Gobierno Vasco y Galería Trayecto (Vitoria-Gasteiz)

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I

Anteponer la autoridad de la autoría a la obra misma ha sido un principio del arte y se ha desarrollado como un músculo hipertrofiado. Las obras se tasan por centímetros o metros cuadrados, por el peso de sus volúmenes, por el tamaño del soporte o por la producción del vídeo o film que presentan. Incluso en los casos en que acciones o performances se realizaron para ser pasto del tiempo, creyendo ahuyentar de esta forma la fisicidad susceptible de ser tasada, los registros que las evidenciaron han devenido copias, por lo tanto obras seriadas que han entrado en el mercado del arte por la puerta trasera, rápidamente igualada a la entrada principal en prestigio y valor monetario. Nada en arte está exento de ser tasado. Nada, por lo tanto, puede evitar la tasación y, por pura lógica, todo se ha vendido o está a la venta. Sin embargo, es un hecho consustancial a estos modos de tasación y a su valor, el estar ejecutada por según qué artista. Una vez aceptado de forma general el reconocimiento del artista o el respeto hacia su producción, el peritaje o expertización de sus obras corresponde hacerlo al margen de su calidad individualizada, atendiendo principalmente al tamaño, el volumen y/o los costes de producción definitivos. El debate sobre la capacidad de producción de cada artista en relación con la calidad de su obra resultante es un dilema reciente, y ha estado marcado por el propio mercado o sus derivaciones.

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