Vecindad, après Tercerunquinto

Texto curatorial sobre la intervención de la obra Vecindad para la exposición Otros fueros, de los artistas Tercerunquinto en EACC-Espai d’art contemporani de Castelló. Catálogo de la exposición e introducción de la publicación Vecindad. 15 de abril – 26 de junio de 2011.

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Determinadas prácticas del arte contemporáneo global plantean una extrañeza sobre su función y sobre los roles que cada agente implicado en su creación, producción, difusión y exhibición debe adquirir o no adquirir en absoluto, a tenor del pálpito de los tiempos donde el deslinde entre funciones específicas e independientes es cada vez menos claro y menos pretendido. La proposición de Tercerunquinto de cuestionar la labor de las partes en juego, plantea la cuestión mayor y más difícil de resolver sobre el qué hacer cuando la especialización -ese poder implícito de los expertos- no sólo no se solicita, sino que se espera disuelta, desgranada, descontextualizada, disfuncional. El planteamiento de Tercerunquinto, por lo tanto, era demasiado atractivo como para dejarlo pasar, pues no hay avance en cualquier ámbito sin crisis previa, es decir, sin desestabilización de las bases que lo sustentan.

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Nuevos lenguajes, nuevos públicos. (Viejas instituciones)

II Jornadas de Investigación La imagen mundializada. ¿Una iconicidad global?. 12 de noviembre de 2010. Organizadas por la Universitat de València y celebradas en el MUVIM-Museu Valencià de la Il·lustració i de la Modernitat.

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Antes de nada quisiera anunciar que esta ponencia, al contrario de lo que personalmente suelo pensar y hacer, será toda leída. Soy consciente de la diferencia importante que significa realizar este modo de exposición en lugar de uno más informal y ameno, como es hablar sobre el tema en cuestión a partir de unos puntos principales que se desarrollan y se explican conforme el discurso va solicitando mayor o menor detalle. Hay un motivo principal en esta decisión: decir todo lo que se ha de decir, y hacerlo con la imposición de una exigente autocrítica a la que el texto escrito obliga más que la palabra hablada, cuando ésta se expresa de manera espontánea. Teniendo en cuenta que este análisis acabará siendo parte de la publicación resumen de estas II Jornadas de Investigación que llevan por título La imagen mundializada, ¿una iconicidad global?, parece que esta decisión pueda ser acertada, al final se verá. Otra razón importante, que es el poder que todavía mantiene el lenguaje escrito sobre el hablado, es su condición de registro; es decir, que pueda ser consultado, releído, criticado después… instalado en el tiempo que sobrevive a la propia conferencia, por necesidad siempre tendente a ser acción e incluso performance por más que pueda quedar documentada audiovisualmente. Asimismo, como ya se ha podido comprobar, se presentará en primera persona, particularidad ésta que no se hubiera empleado en otras circunstancias pero que ahora, al elegir este modo de comunicación, se torna inevitable.

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Autoría y autoridad. Sobre la obra de Joxerra Melguizo

Texto realizado con motivo de la publicación  Auctoritas, de Joxerra Melguizo, publicado por el Gobierno Vasco y Galería Trayecto (Vitoria-Gasteiz)

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Anteponer la autoridad de la autoría a la obra misma ha sido un principio del arte y se ha desarrollado como un músculo hipertrofiado. Las obras se tasan por centímetros o metros cuadrados, por el peso de sus volúmenes, por el tamaño del soporte o por la producción del vídeo o film que presentan. Incluso en los casos en que acciones o performances se realizaron para ser pasto del tiempo, creyendo ahuyentar de esta forma la fisicidad susceptible de ser tasada, los registros que las evidenciaron han devenido copias, por lo tanto obras seriadas que han entrado en el mercado del arte por la puerta trasera, rápidamente igualada a la entrada principal en prestigio y valor monetario. Nada en arte está exento de ser tasado. Nada, por lo tanto, puede evitar la tasación y, por pura lógica, todo se ha vendido o está a la venta. Sin embargo, es un hecho consustancial a estos modos de tasación y a su valor, el estar ejecutada por según qué artista. Una vez aceptado de forma general el reconocimiento del artista o el respeto hacia su producción, el peritaje o expertización de sus obras corresponde hacerlo al margen de su calidad individualizada, atendiendo principalmente al tamaño, el volumen y/o los costes de producción definitivos. El debate sobre la capacidad de producción de cada artista en relación con la calidad de su obra resultante es un dilema reciente, y ha estado marcado por el propio mercado o sus derivaciones.

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Crítica: Atlas. ¿Cómo llevar el mundo a cuestas?

Publicado como monográfico en arte10, con motivo de la exposición Atlas. ¿Cómo llevar el mundo a cuestas?, en MNCARS, Madrid. Hasta el 28 de marzo de 2011. Comisario: Georges Didi-Huberman.

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La imagen mitológica de Atlas, cargando sobre sí todo el peso y la trascendencia de la bóveda celeste, tiene similitud con la responsabilidad de la creación -en sentido divino, pero también en el sentido humano del arte- y con la importancia de su misión reveladora y comunicativa. Acarrear ese peso desproporcionado no apto para cuerpos humanos, sólo podría ser aguantado o sostenido de manera simbólica y, por lo tanto, a través de la representación. El atlas entendido como libro que aglutina los accidentes geográficos y los estados políticos, que contiene la totalidad de lo conocido con la imprescindible ayuda de las imágenes, es un modelo archivístico devenido prueba tangible de la existencia física de lo otro, aquello que traduce, sintetiza y representa, pero al mismo tiempo es un testigo del paso del tiempo, de los cambios físicos y políticos, de la creación de nuevos escenarios sociales.

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El París de Cléo

Valor documental en el filme de Agnès Varda Cléo de 5 à 7 (1961)

Revista Lars, cultura y ciudad, nº21. Puentes, diálogos urbanos. Diciembre de 2010.

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Las ciudades y el cinematógrafo han ido estrechamente unidos desde el nacimiento de ese medio de masas que revolucionó nuestro modo de observar y registrar lo externo, así como de vernos reflejados en otros. Los trabajadores saliendo de la fábrica Lumière o la llegada del tren a la estación muestran de forma clara, ya en los primerísimos inicios, la relación entre ambos universos, uno descendiente del otro, en un momento social que permitió -de modo similar a como Arthur C. Danto explica el fenómeno de la Caja Brillo de Andy Warhol– la posibilidad de su desarrollo en París y en otras grandes ciudades occidentales de finales del siglo XIX. La diferencia entre ambos momentos es evidente, así como su comparación tal vez se demuestre exagerada, pero viene a reforzar la importancia del contexto social, histórico y político de determinados sucesos analizados en perspectiva. La trascendencia de la expansión del cine como medio de masas (y así pues de cariz netamente popular) no puede equipararse a la influencia de una sola obra artística (de carácter y asimilación elitistas), por más que ésta haya sido importante, tal vez comparable a la fuente duchampiana, pero viene a abundar en la idea de que una sociedad asume y permite aquello que está preparada para aceptar y asumir, pese a las fuerzas retardatarias de costumbre.

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En defensa de la Sala Parpalló

Publicado el 17 de diciembre de 2010 en el suplemento Posdata, Levante-EMV, Valencia.

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El pasado día 8 de diciembre se hizo pública de manera confusa y parcial la noticia del traslado de la Sala Parpalló desde su ubicación actual, en el espacio independiente de la calle Alboraia, al edificio del MuVIM. Resultó confusa porque no se entiende que una noticia de esta envergadura aparezca durante el Puente de la Constitución, a no ser que tenga por única finalidad no informar; parcial porque sólo lo publicaba el diario Las Provincias y ABC yvlos demás medios tardaron en hacerse eco y siempre a través de agencias. Las declaraciones inmediatas del director Javier Varela, indicando entre otras cosas que veía muy complicada la coexistencia de dos directores en un mismo museo, parecían contradecir las expresadas por el President de la Diputació Alfonso Rus cuando aseguraba que Ana de Miguel se mantendría en su cargo como directora de la Sala Parpalló, si bien ejerciendo su labor dentro del espacio del MuVIM.

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Crítica: Una exposición de arte, de Hans-Peter Feldmann

Publicado como monográfico en arte10, con motivo de la exposición de Hans-Peter Feldmann Una exposición de arte, en MNCARS, Madrid. Hasta el 28 de febrero de 2011.

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Como única información curricular, Hans-Peter Feldmann suele indicar que nació en Hilden, Düsseldorf, en 1941. Nada dice más sobre su educación o sobre las exposiciones realizadas, por más que su trayectoria sea bien conocida. La rotundidad y explicitud del dato habla por sí mismo y, en cierta forma, representa a toda una generación de ciudadanos que llegaron a la cronología de la historia en un momento crucial, sin lugar a dudas definitivo. No es azarosa la comparación, en este ejemplo, con el currículo que Isidoro Valcárcel Medina ofrece con frecuencia, mostrando únicamente una correlación consecutiva de los años desde 1937, fecha de su nacimiento, hasta el momento de la publicación en cuestión. En ambos casos, aunque conceptualmente dispares, se ofrece la vida del autor como una opción imposible de deslindar del trabajo que se realiza y, por supuesto, también a la inversa, donde el contexto no es un asunto que pueda ser fácilmente evitable o de libre elección.

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