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Nuevos lenguajes, nuevos públicos. (Viejas instituciones)

II Jornadas de Investigación La imagen mundializada. ¿Una iconicidad global?. 12 de noviembre de 2010. Organizadas por la Universitat de València y celebradas en el MUVIM-Museu Valencià de la Il·lustració i de la Modernitat.

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Antes de nada quisiera anunciar que esta ponencia, al contrario de lo que personalmente suelo pensar y hacer, será toda leída. Soy consciente de la diferencia importante que significa realizar este modo de exposición en lugar de uno más informal y ameno, como es hablar sobre el tema en cuestión a partir de unos puntos principales que se desarrollan y se explican conforme el discurso va solicitando mayor o menor detalle. Hay un motivo principal en esta decisión: decir todo lo que se ha de decir, y hacerlo con la imposición de una exigente autocrítica a la que el texto escrito obliga más que la palabra hablada, cuando ésta se expresa de manera espontánea. Teniendo en cuenta que este análisis acabará siendo parte de la publicación resumen de estas II Jornadas de Investigación que llevan por título La imagen mundializada, ¿una iconicidad global?, parece que esta decisión pueda ser acertada, al final se verá. Otra razón importante, que es el poder que todavía mantiene el lenguaje escrito sobre el hablado, es su condición de registro; es decir, que pueda ser consultado, releído, criticado después… instalado en el tiempo que sobrevive a la propia conferencia, por necesidad siempre tendente a ser acción e incluso performance por más que pueda quedar documentada audiovisualmente. Asimismo, como ya se ha podido comprobar, se presentará en primera persona, particularidad ésta que no se hubiera empleado en otras circunstancias pero que ahora, al elegir este modo de comunicación, se torna inevitable.

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El París de Cléo

Valor documental en el filme de Agnès Varda Cléo de 5 à 7 (1961)

Revista Lars, cultura y ciudad, nº21. Puentes, diálogos urbanos. Diciembre de 2010.

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Las ciudades y el cinematógrafo han ido estrechamente unidos desde el nacimiento de ese medio de masas que revolucionó nuestro modo de observar y registrar lo externo, así como de vernos reflejados en otros. Los trabajadores saliendo de la fábrica Lumière o la llegada del tren a la estación muestran de forma clara, ya en los primerísimos inicios, la relación entre ambos universos, uno descendiente del otro, en un momento social que permitió -de modo similar a como Arthur C. Danto explica el fenómeno de la Caja Brillo de Andy Warhol– la posibilidad de su desarrollo en París y en otras grandes ciudades occidentales de finales del siglo XIX. La diferencia entre ambos momentos es evidente, así como su comparación tal vez se demuestre exagerada, pero viene a reforzar la importancia del contexto social, histórico y político de determinados sucesos analizados en perspectiva. La trascendencia de la expansión del cine como medio de masas (y así pues de cariz netamente popular) no puede equipararse a la influencia de una sola obra artística (de carácter y asimilación elitistas), por más que ésta haya sido importante, tal vez comparable a la fuente duchampiana, pero viene a abundar en la idea de que una sociedad asume y permite aquello que está preparada para aceptar y asumir, pese a las fuerzas retardatarias de costumbre.

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En defensa de la Sala Parpalló

Publicado el 17 de diciembre de 2010 en el suplemento Posdata, Levante-EMV, Valencia.

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El pasado día 8 de diciembre se hizo pública de manera confusa y parcial la noticia del traslado de la Sala Parpalló desde su ubicación actual, en el espacio independiente de la calle Alboraia, al edificio del MuVIM. Resultó confusa porque no se entiende que una noticia de esta envergadura aparezca durante el Puente de la Constitución, a no ser que tenga por única finalidad no informar; parcial porque sólo lo publicaba el diario Las Provincias y ABC yvlos demás medios tardaron en hacerse eco y siempre a través de agencias. Las declaraciones inmediatas del director Javier Varela, indicando entre otras cosas que veía muy complicada la coexistencia de dos directores en un mismo museo, parecían contradecir las expresadas por el President de la Diputació Alfonso Rus cuando aseguraba que Ana de Miguel se mantendría en su cargo como directora de la Sala Parpalló, si bien ejerciendo su labor dentro del espacio del MuVIM.

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Authorship and authority. On Joxerra Melguizo’s work

Extracted from Joxerra Melguizo’s text in ocassion of the book published by Euzkadi Goverment.

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One of the principles of art, and one that has developed like a hypertrophied muscle, has been to place authority before the authorship of a work. Works are valued by the square centimetre or metre, by the weight of their volumes, by the size of the support or by the production of the video or film they present. Even in those cases of actions or performances mounted in order to be consumed by time, in the belief that they would thereby avoid the physicality that was liable to have a value placed on it, the records that bear witness to their existence have been reproduced, creating copies, and hence mass-produced works, that have entered the art market via the back door, which has quickly been equated with the main entrance in terms of prestige and monetary value. Nothing in art can escape being valued. Nothing, therefore, can avoid valuation and, by pure logic, everything has been sold or is up for sale. However, an inherent element of these modes of valuation and value is authorship by such and such an artist. Once a particular artist or respect for his work has been has been widely accepted, expert opinion on his works is produced regardless of their individual quality and is based principally on size, volume and/or the final production costs. The debate on the output capacity of each artist in relation to the quality of his work is a recent dilemma and has been affected by the market itself and its derivations.

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Crítica: La genealogía de la consciencia, de Mira Bernabeu

Publicado como monográfico en arte10, con motivo de la exposición de MIra Bernabeu La genealogía de la consciencia I, II, III, en Octubre CCC, Valencia. Hasta el 28 de noviembre de 2010.

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Cada vez con mayor normalidad, el arte visual contemporáneo plantea cuestiones transversales con otras ciencias sociales donde el arte deviene, en sí mismo, la utilización pública del espacio expositivo, la fase última de un proceso mucho más complejo y colectivo. Con esto no se insinúa que aquello mostrado no deba resolverse con gran exigencia estética, tan continuadora de la historia específica donde se inscribe como comprometida con una lógica renovación de sus presupuestos estilísticos y conceptuales. De hecho, es cuando se dan ambos logros, el de la pertenencia a una transversalidad entre áreas y el de conseguir un resultado afín al modo de presentación contemporánea, cuando es posible el análisis más preciso, la crítica más jugosa y su contextualización más coetánea.

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Vanessa Pastor. Catalogación de hábitos

Publicación sobre los proyectos de Vanessa Pastor y Petra Cepková. Proyecto SETSE, Universitat Politècnica de València.

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La fotografía se ha demostrado históricamente un medio idóneo para perpetuar la memoria. Es en sí misma, de hecho, un generador de memoria desde el momento en que una imagen es fijada, antes realizada por medios analógicos y ahora de forma mayoritaria, casi en exclusiva, por medios digitales. La renovación del concepto en lo que atañe a fotografía, hoy por hoy no puede atender sólo a aquellas imágenes que mostraban parte de lo que «había sido» o «estaba allí», como necesidad y pleno sentido de su función representativa; también debe hacerlo con las que son modificadas o construidas incluso desde cero, pues sus técnicas empleadas -en un momento en que se actualiza el software y se amplían sus posibilidades en períodos de tiempo cada vez más cortos- marcarán por completo su época de realización.

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Comer, vivir, mirar

Publicación del proyecto europeo SETSE. Exposición en el Centre del Carme CC, València. Hasta el 7 de octubre de 2010.

Vanessa Pastor. Serie The Kitchens Project
Vanessa Pastor. Serie The Kitchens Project

La película taiwanesa Yin shi nan un (Ang Lee, 1994), traducida al inglés como Eat Drink Man Woman, se distribuyó al menos en España y Argentina con el título Comer, beber, amar. La historia es una relación intensa entre un padre viudo, gran cocinero, y sus tres hijas, una de las cuales «desestabiliza» la aparente normalidad de la familia. El título de este análisis quisiera utilizarse de forma interesada para homenajear no sólo aquel filme por su estrecha relación entre alimento, pertenencia e imagen, sino sobre todo los tres elementos -suficientemente independientes como para ser analizados de forma autónoma y no necesariamente vinculados- que se erigen protagonistas principales de esta publicación: comida, fotografía y familia. En las acciones de los tres verbos empleados se establece una relación de continuidad recíproca. La acción de comer es básica para vivir y, a su vez, para poder mirar es necesario estar vivo y, por lo tanto, alimentado. Los tres componentes, podríamos decirlo así, se establecen según unos patrones de supervivencia, necesidad y seguridad.

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