Uno, y dos dones

Texto realizado para la publicación Carlos Maiques. Crónicas de bolsillo, editado por Anja Krakowsky.

El don no se intercambia por nada. Se posee y se ofrece libre, sin pedir nada material a cambio, ni prepararse como en un ritual místico o de exhibición pública. El don no es tanto la posesión de sí, como su puesta en práctica en los otros. Representa el método por el que entendemos que, quien lo posee, lo tiene y lo comparte. Hablando de Jacques Derrida, analizando su concepto de don, Geoffrey Bennington dice que “hay que intentar pensar en el don antes del intercambio, y en la ley antes del contrato, para acercarse a la cosa”. Y, más adelante: “Si la esencia del don es no ser objeto de intercambio, vemos que, hablando estrictamente, se anula como tal”. Y, siguiendo con la reflexión, “para que el don esté limpio de todo movimiento de intercambio, debería pasar inadvertido por el receptor. Debería no recibirse como don, no ser un don en absoluto” (…) “aquí está implícita toda una complicación de la temporalidad: el don no está nunca en el presente; se da en un pasado que nunca ha sido presente y se recibe en un futuro que tampoco será presente jamás”. (Derridabase)

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Hell’O Monsters. Cover History

Texto realizado con motivo de la exposición Cover History de Hell’O Monsters en Espai Tactel, Russafa, Valencia. Hasta el 13 de junio de 2014.

Espai tactel

En las nuevas obras del colectivo belga Hell’O Monsters, personajes zoomorfos han evolucionado de los ejemplos tomados de El jardín de las delicias de El Bosco, la anterior y primera exposición en Espai Tactel, a seres donde esta presencia híbrida se antoja una mascarada y una actitud continuada. La necesidad de ser otros es un argumento que todos hemos hecho propio. La cuestión sería desvelar si esa necesidad no es, en definitiva, el único modo de ser nosotros mismos. En unas palabras que el filósofo Miguel Morey tomó prestadas de Michel Foucault indicaba: “(…) mostrar las determinaciones históricas de lo que somos es mostrar lo que hay que hacer. Porque somos más libres de lo que creemos, y no porque estemos menos determinados, sino porque hay muchas cosas con las que aún podemos romper –para hacer de la libertad un problema estratégico, para crear libertad. Para librarnos de nosotros mismos.”[1]

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Andrea Canepa. Todas las calles del año

Texto sobre la artista Andrea Canepa para la publicación de Generación 2104. Proyectos de arte Fundación Caja Madrid. La Casa Encendida, Madrid. Del 7 de febrero al 4 de mayo de 2014.

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El título de un dibujo o de una serie de dibujos tiende a definir la generalidad de aquello que nombra; incluso podría pretender alcanzar la totalidad de su interpretación, cerrando vías a otras posibles lecturas. Puesto que el dibujo es la síntesis del tema tratado, una elección de entre la infinidad de opciones posibles, el título vendría a certificar la vinculación entre significante y significado. Sin embargo, el sentido es otra cosa bien distinta, pues ni lo mostrado, ni el título que lo nombra, ni siquiera el texto que puede aparecer convertido en imagen, tal vez acierten a deslindar la magnitud de su capacidad cognoscitiva. Un dibujo es una acción sincrética entre aquello que se ve y aquello que se quiere contar de lo visto: el relato convertido en trazo, línea, mancha, documento sensible.

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Certificado del fin de la inocencia

Texto realizado con motivo de la exposición de Martín López Lam Por si alguna vez lo olvido, recuerda no morir nunca. Galería Rosa Santos, Valencia. 9 de enero – 13 de febrero de 2010

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El autorretrato que inicia el recorrido de esta exposición es un texto dibujado sobre papel, el fondo oscurecido con tinta y las letras reservadas en blanco. No hay referencia ni información alguna de la fisonomía del autor, simplemente esta frase: “Nací un 26 de octubre de 1981 a las 6’30, o algo así”. Por lo general, los autorretratos, al igual que ocurre con las autobiografías, tratan de definir, describir, mostrar, incluso sustituir por mimesis o a través de la ficción al personaje de análisis. Mirar y leer este autorretrato implica desconfiar del mensaje; la parte final del mismo (“o algo así”) no asume el yo como un hecho incuestionable que atiende a su nacimiento, el día, la hora y la fe ciega que implica creer en ese puro avatar convertido en fecha señalada de por vida. Asimismo, genera una distancia ante el propio representado que puede verse como un descreimiento, el certificado concluyente del fin de la inocencia, el principio de la duda existencial sostenida en un momento concreto, y corregida y aumentada a lo largo de los años sucesivos.

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Reiteración y perforación del tema

Texto para la publicación de la exposición Sweet Illness, de Moisés Mahiques. Sala Parpalló, Diputació de València, 21 de mayo – 6 de septiembre de 2009.

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Determinadas obras se presentan como una perforación del tema que llevan implícito. Por obra se refiere aquí a la realización continuada de objetos o acciones con pretensión y actitud estéticas y que se retroalimentan de su existencia y consumo en la industria cultural en que se ubican temporalmente, es decir, dentro de su contemporaneidad. Cuando se expresa que se presentan como una perforación del tema, intenta plantearse –aunque sea desde un punto de vista algo alejado– el debate sobre la funcionalidad o no del arte contemporáneo. Es decir, por qué se realiza, para quién se crea, qué cantidad de producción es necesaria para su retroalimentación, quién lo consume y quién puede finalmente adquirirlo, por más que este dato importe aquí sólo de forma relativa.

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Joan Antoni Toledo. La pintura como cuestión, reflexión y argumento

Publicación de la exposición de Joan Antoni Toledo. Consorci de Museus de la Comunitat valenciana.

“Si yo pudiese explicar de pe a pa mis cuadros, no haría falta que los pintara. Entonces no sería un pintor, sería un literato. Hay ideas visuales explicadas por un medio visual que son más directas que la escritura, y si las racionalizas las conviertes en otra cosa. En escritura, por ejemplo.”
Joan Antoni Toledo, en una entrevista realizada en julio de 1983.

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I

En la cita que encabeza este texto, Joan Antoni Toledo plantea buena parte de la dicotomía entre acción y reflexión; entre el hecho de hacer algo creativo, en este caso emitido con un lenguaje visual, y la tarea (se podrá argüir que innecesaria o imprescindible) de hablar sobre ello desde una postura analítica y reflexiva. Tradicionalmente esta tarea de hablar o escribir sobre lo realizado en la práctica artística, lo que conocemos comúnmente por crítica, ha sido vista como la opinión lanzada desde un territorio a cobijo, desde el burladero donde se contempla con distancia la acción definida y, por lo tanto, entendida, como práctica (más o menos) arriesgada. Ambas actitudes suelen sentirse alejadas y sus posturas se han mostrado con frecuencia irreconciliables. Sin embargo, el comentario citado del pintor no aísla ni potencia las categorías; no enfrenta ambas posturas o ambas acciones sino que al definirlas, las diferencia. La cuestión no estaría tanto en la necesidad o en el hecho inevitable de que una de las dos sobresalga por encima de la otra, sino en su diferenciación lingüística. En el momento en que nos ponemos a pensar sobre una obra artística o una serie de ellas, experimentando más o menos una experiencia estética o un trasvase de información y conocimiento al observarlas y entenderlas, y decidimos dejar por escrito dicha reflexión, es cuando ambas acciones se distancian en su definición y en su puesta en práctica. Pero también, o así queremos creerlo, se completan; dos partes que unifican fuerzas hacia una misma dirección cognoscitiva.

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Corroboración del paso del tiempo

Texto realizado con motivo de la exposición Sala de espera, de Joan Sebastián. Galería Rosa Santos, del 16 de enero al 28 de febrero de 2009.

En ocasiones el dibujo ha sido estructura, base misma, esqueleto sobre el que se recubre de piel, órganos y extremidades un cuerpo. Este cuerpo puede responder a preguntas concretas sobre su naturaleza o no mediar conversación alguna con su interlocutor, que es el espectador que pueda finalmente encontrárselo escondido y olvidado, o bien expuesto bajo los focos. En otras ocasiones el dibujo es un gesto lanzado a quemarropa sobre la realidad, con la que lucha para conseguir el trofeo de su representación. Tanto es traducción de un sentimiento como evitación del riesgo manifiesto de ser mimesis del referente. Puede ser visto también, el dibujo en tanto que práctica, como el principio de una consciencia visual, un aprendizaje de la mirada traducido en formas y la voluntad ancestral de aprehender el tiempo y todo lo circundante reflejado en él.

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