Fetiche y autoría artísticos. Relecturas

Ponencia para el 42º Congreso Internacional de AICA-Asociación Internacional de Críticos de Arte. IVAM, Valencia, 7-9 de noviembre de 2008.

No se va a exponer aquí la necesidad o no del fetichismo artístico, es decir, de la creación de objetos físicos, bidimensionales, tridimensionales o virtuales, en el vasto y seguramente inabarcable espectro artístico o de su plusvalía mercantil, como tampoco de su actualidad o su anacronismo; fundamentalmente se quiere plantear cómo se trató este “debate” de antagonismos entre producto y proceso dentro del proyecto expositivo Herramientas del arte. Relecturas –organizado y producido por Sala Parpalló-Diputació de València– a través de las intervenciones de los tres artistas participantes: Isidoro Valcárcel Medina, Rogelio López Cuenca y Daniel G. Andújar. Asimismo, explicando el modo de trabajar de estos artistas pertenecientes a tres generaciones (o al menos, a tres modelos de artista concretos que representan tres momentos del arte español contemporáneo) podemos cubrir una parte de los métodos y las herramientas que los artistas visuales tienen hoy a su alcance.

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El espejo del coleccionista

Publicación para la muestra de la colección fotográfica Las mujeres y los niños primero. Fundació Bancaixa, Sagunto. Noviembre de 2009.

“Hay cosas que no deberían cambiar, cosas que uno debería poder meter en una de esas vitrinas de cristal y dejarlas allí tranquilas. Sé que es imposible, pero es una pena. En fin, eso es lo que pensaba mientras andaba.”
El guardián entre el centeno. J. D. Salinger

La cita tomada del popular libro de J. D. Salinger es una singular síntesis de esta novela, pero también representa la finalidad figurada de muchas fotografías de pretender parar el tiempo. Capta por un lado el carácter nostálgico de su protagonista, donde se desgrana la pérdida de una inocencia infantil que nunca volverá, e inmediatamente oculta este sentimiento tras el pragmatismo semi depresivo del adolescente que es Holden Caufield, consciente de que las cosas no puedan ser, pese a todo, de otra forma. También la fotografía puede verse como el intento de dejar algunas cosas tal como están, aun sabiendo que lo único que consigue es detenerlas una fracción de tiempo y que éstas continúan después su discurrir de forma inexorable. Es común el carácter nostálgico de la fotografía, su función como sustitución de la pérdida, su resolución como síntesis de situaciones vividas.
Por su peculiaridad como registro, además de otras características que la hermanan con el arte, el cine o el archivo, la fotografía siempre lleva adosada una connotación social; un cierto testimonio visual que transporta a quien la observa hasta el momento histórico cuando fue realizada esa imagen, al tiempo que también se agarra al propio presente en que es de nuevo vista con la mirada y la experiencia actuales, y con los “datos extra fotográficos” que añadimos a su mera presencia. Este presente pretérito o pasado presentizado es una peculiaridad que comparte la fotografía –aunque con una menor vivacidad– con el cine, donde el movimiento y, por lo tanto, una mayor sensación de verosimilitud con la realidad surge en cada nuevo visionado.

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Impactos mediáticos de las revueltas

Texto realizado para la publicación de la X Edición Cabanyal Portes Obertes. Salvem Cabanyal-Canyameral. El Cabanyal, Valencia. Octubre 2008.

La fotografía de prensa es el registro de los acontecimientos merecedores de ser noticia. Así lo sabemos tras más de un siglo de prensa diaria ilustrada con fotografías, a la que acudimos deseosos de confirmar nuestras ideas con sus imágenes. No siempre coinciden, pero no tanto por su falta de precisión como por la ausencia de visibilidad de ideas y opiniones minoritarias. La minoría es aquello que debe existir en cualquier estado de derecho que se precie para que la mayoría siga ninguneándola, cuando no deseando su pronta y aséptica desaparición. Mientras que saber cuándo un acontecimiento es merecedor de convertirse en noticia es tanto o más complicado como descubrir qué nace antes, si el evento o la necesidad de seguir aportando información diaria. El paso de un acontecimiento del estado de suceso al de noticia es más rápido y accesible que el que tiene que hacer una opinión minoritaria para convertirse en mayoritaria. Entre medias está, en ambos casos, el papel de los medios de comunicación; pero la economía, ya lo hemos comprobado sobradamente, siempre gana a la ideología… incluso en épocas de crisis.

 

La velocidad de los sucesos y la necesaria ocupación del espacio de los medios de masas parecen conciliar sus esfuerzos para dejarnos asombrados por igual ante la afluencia de datos y ante su narración casi idéntica, salvo detalles cada vez más imperceptibles en el tono o en el enfoque del discurso. Es por eso, tal vez, que las transformaciones en los modos de difundir las noticias hayan ayudado a la banalización de la información escrita tanto como han favorecido la eclosión de la comunicación audiovisual, especialmente con las prestaciones que ofrece Internet, convertido en el termómetro de la actualización perpetua. Perfecta horma al zapato de una sociedad cada vez más dispuesta a vivir los sucesos en tiempo real y a asumirlos a la par que se producen, olvidándolos al poco con similar fruición.

En las ciudades contemporáneas ha ido contagiándose globalmente una necesidad de verse y mostrarse como objeto de deseo que no atiende a fronteras y que necesita seguir en mantenida huída hacia adelante para conservar su imagen ilusoria. Un panorama donde han tenido mucho que decir los medios de comunicación de toda índole y condición y las imágenes promocionales. Esta actitud ha llegado a Valencia tan tardíamente y con una fuerza tan inusitada que no puede más que provocar un amor desenfrenado entre quienes estén a favor de la mercantilización de la imagen de la ciudad y la conversión de su patrimonio en un gran plató televisivo o un desamor profundo entre quienes esperaran un comportamiento más maduro y contenido por parte de los responsables públicos, sabiéndose como se sabe la trama y el desenlace de este argumento. Más si cabe si la escenografía de esta ciudad por la que un día pasó un río y que debe su ubicación original y su idiosincrasia geográfica a una serie de elementos que han desaparecido, se encamina hacia un gigantismo por igual deshumanizado en sus proporciones e irreversible en su ejecución; admirado y cuestionado a un tiempo.

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Nico Munuera. Dejar de ser para seguir siendo

Texto realizado con motivo de la exposición No Flags. Galería Max Estrella, Madrid. 4 de septiembre – 18 de octubre 2008

Herbert Read escribía en 1957, en La décima musa: “No hay historia en un cuadro abstracto de Ben Nicholson; y en muchos otros tipos de arte moderno, la historia no es de ese tipo que se presta al explayamiento.” Susan Sontag, en 1964, en su célebre Contra la interpretación anunciaba: “Para evitar la interpretación, el arte puede llegar a ser parodia. O a ser abstracto. O a ser (“simplemente”) decorativo. O a ser no-arte. La huida de la interpretación parece ser característica de la pintura moderna. La pintura abstracta es un intento de no tener contenido, en el sentido ordinario; puesto que no hay contenido, no cabe la interpretación.”

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Críticos contra el arte

Comentarios y corrección a la crítica Artistas contra el arte, de Vicente Jarque, publicada en Babelia, suplemento cultural de El País, el día 2 de agosto de 2008.

La crítica es una práctica comprometida donde converge la opinión personal del crítico con la funcionalidad de su labor, imposible sin la existencia de los medios de masas que la acogen. Nadie puede dudar a estas alturas que la crítica, como cualquier labor que surge de la mente de un persona, es una tarea subjetiva. Pocos deberían seguir dudando de que la subjetividad es su única posible razón de ser y su único interés. Es el uso de esa subjetividad el que marca si la crítica se verá como enjuiciadora, descriptiva, de si tendrá una intención artística en sí misma o si, simplemente, entrará en la dinámica de cumplir el expediente de unos medios que suelen tratar su práctica como aquello que sigue teniendo que rellenar el espacio (cada vez más escaso, por otra parte) de sus páginas destinadas a ello y cuya existencia otorga un tipo de poder directamente relacionado con el mercado artístico, la publicidad y sus ventas derivadas. Todo lo cual no representa nada nuevo bajo el sol, desde luego.

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Álex Francés. Arte, vida, tiempo… o viceversa

Texto realizado con motivo del Ciclo de arte contemporáneo y flamenco in_ter_va_lo. Caja Sol, Sevilla, septiembre-octubre 2008.

I

Si en el arte moderno el símbolo sustituyó al signo, la alegoría ha sustituido a su vez al símbolo en el arte contemporáneo. De la representación mimética de la realidad del arte clásico se pasó a la simbología complementaria y emotiva, representada en la imagen de un objeto partido en dos cuyas mitades viven vidas separadas y, al tiempo, siguen pudiéndose encajar perfectamente entre sí. La alegoría, por su parte, muestra una imagen que significa no sólo aquello que representa, sino también y especialmente, otra cosa. La evolución hacia una mayor complejidad del lenguaje artístico contemporáneo ha recurrido, sin embargo, a la inmediatez de las imágenes fotográficas y a su correlato temporal con el cine y el vídeo. Lenguajes que, sobre todo en el caso de la fotografía, son definidos como índices y, por lo tanto, son sígnicos. ¿Cómo entonces explicar esta aparente doble pertenencia de la fotografía contemporánea al signo en cuanto que lenguaje y a la alegoría en cuanto que práctica?

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Diálogo con Daniel G. Andújar

Texto publicado en el cuaderno del proyecto Herramientas del arte. Relecturas. Sala Parpalló, Valencia, 24 de junio – 30 de septiembre de 2008.

La conversación que sigue es un modo más de exponer algunos de los temas que este proyecto se ha propuesto analizar. Ha sido un diálogo virtual en proceso entre Álvaro de los Ángeles y Daniel G. Andújar, escrito desde el lugar y en el momento en que ha sido posible hacerlo. Gran parte de las ideas desarrolladas, sin embargo, se apuntaron durante los días en que G. Andújar se encontraba en Valencia con motivo de la realización del taller conjunto con Rogelio López Cuenca. Aspectos como el compromiso del artista contemporáneo, sus roles dentro del entramado sociocultural y sociopolítico, las posibilidades y tácticas reales de supervivencia o la generación de nuevos modos de entender su oficio en una sociedad en transformación continua, conviven con elementos derivados del propio título del proyecto: ¿de qué herramientas disponen los artistas en el momento actual y hacia dónde o contra qué cabe dirigir las relecturas derivadas de sus acciones?

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