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Certificado del fin de la inocencia

Texto realizado con motivo de la exposición de Martín López Lam Por si alguna vez lo olvido, recuerda no morir nunca. Galería Rosa Santos, Valencia. 9 de enero – 13 de febrero de 2010

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El autorretrato que inicia el recorrido de esta exposición es un texto dibujado sobre papel, el fondo oscurecido con tinta y las letras reservadas en blanco. No hay referencia ni información alguna de la fisonomía del autor, simplemente esta frase: “Nací un 26 de octubre de 1981 a las 6’30, o algo así”. Por lo general, los autorretratos, al igual que ocurre con las autobiografías, tratan de definir, describir, mostrar, incluso sustituir por mimesis o a través de la ficción al personaje de análisis. Mirar y leer este autorretrato implica desconfiar del mensaje; la parte final del mismo (“o algo así”) no asume el yo como un hecho incuestionable que atiende a su nacimiento, el día, la hora y la fe ciega que implica creer en ese puro avatar convertido en fecha señalada de por vida. Asimismo, genera una distancia ante el propio representado que puede verse como un descreimiento, el certificado concluyente del fin de la inocencia, el principio de la duda existencial sostenida en un momento concreto, y corregida y aumentada a lo largo de los años sucesivos.

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Naturalidad y sorpresa sobre fondo camp

Texto para la exposición Atlas shrugges, de Juanli Carrión. White Box Projects, New York, 23 de noviembre – 8 de diciembre de 2009.

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Una característica importante a propósito del uso y análisis de las imágenes contemporáneas es situarse en el espacio de consciencia que supone saber si aquello que muestran es real, está manipulado, o es un completo artificio. La cuestión no es sencilla y, en último término, tampoco definitoria sobre nuestro posicionamiento, pero sin duda marca la lectura e interpretación que hagamos de las imágenes. Un ejemplo paradigmático fue la foto que dio la vuelta al mundo mostrando a Georges W. Bush con un pavo de plástico el Día de Acción de Gracias de 2003; una visita sorpresa a las tropas estadounidenses en Irak que escondía otra sorpresa. Como ha indicado Johan Swinnen, sin la aportación de lo que ha denominado “datos extra fotográficos”, es decir, aquellos que vienen a añadir información a las imágenes desde otros campos ajenos al visual, la fotografía “permanece en silencio absoluto”.

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Reiteración y perforación del tema

Texto para la publicación de la exposición Sweet Illness, de Moisés Mahiques. Sala Parpalló, Diputació de València, 21 de mayo – 6 de septiembre de 2009.

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Determinadas obras se presentan como una perforación del tema que llevan implícito. Por obra se refiere aquí a la realización continuada de objetos o acciones con pretensión y actitud estéticas y que se retroalimentan de su existencia y consumo en la industria cultural en que se ubican temporalmente, es decir, dentro de su contemporaneidad. Cuando se expresa que se presentan como una perforación del tema, intenta plantearse –aunque sea desde un punto de vista algo alejado– el debate sobre la funcionalidad o no del arte contemporáneo. Es decir, por qué se realiza, para quién se crea, qué cantidad de producción es necesaria para su retroalimentación, quién lo consume y quién puede finalmente adquirirlo, por más que este dato importe aquí sólo de forma relativa.

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Las aristas de la realidad

Texto con motivo de la exposición Fotografías, de Pascual Arnal, en Galeria Assaig, Vila-real. Mayo de 2009

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Abordar la complejidad de la realidad exige distanciarse, analizarla y volver sobre ella con la certeza de saber cuál es su forma aproximada o cuáles los modos que emplea para disfrazarse: cuándo se enmascara de verdad, cuándo de representación o cuándo de simulacro. La realidad puede ser vista como eso que nos queda cuando todo lo demás ha fallado, incluso en los momentos en que se buscaba, con todo eso denominado “lo demás”, un cambio sustancial en su presencia y, por lo tanto, en su influencia en nosotros.

Pocos medios expresivos ofrecen una aproximación tan verosímil al gran tema de la realidad y su representación como la fotografía, cuya trayectoria histórica relaciona inseparablemente el registro de lo que aconteció, configurando por tanto una memoria visual del mundo, con la plasticidad de haberlo registrado con una intención estética, iniciando así pues un recorrido en el ámbito del arte. En otras palabras, la fotografía unifica función y finalidad en un solo medio, a mitad de camino entre las bellas artes y los medios de comunicación (J. F. Chévrier dixit).

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Joan Antoni Toledo. La pintura como cuestión, reflexión y argumento

Publicación de la exposición de Joan Antoni Toledo. Consorci de Museus de la Comunitat valenciana.

“Si yo pudiese explicar de pe a pa mis cuadros, no haría falta que los pintara. Entonces no sería un pintor, sería un literato. Hay ideas visuales explicadas por un medio visual que son más directas que la escritura, y si las racionalizas las conviertes en otra cosa. En escritura, por ejemplo.”
Joan Antoni Toledo, en una entrevista realizada en julio de 1983.

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En la cita que encabeza este texto, Joan Antoni Toledo plantea buena parte de la dicotomía entre acción y reflexión; entre el hecho de hacer algo creativo, en este caso emitido con un lenguaje visual, y la tarea (se podrá argüir que innecesaria o imprescindible) de hablar sobre ello desde una postura analítica y reflexiva. Tradicionalmente esta tarea de hablar o escribir sobre lo realizado en la práctica artística, lo que conocemos comúnmente por crítica, ha sido vista como la opinión lanzada desde un territorio a cobijo, desde el burladero donde se contempla con distancia la acción definida y, por lo tanto, entendida, como práctica (más o menos) arriesgada. Ambas actitudes suelen sentirse alejadas y sus posturas se han mostrado con frecuencia irreconciliables. Sin embargo, el comentario citado del pintor no aísla ni potencia las categorías; no enfrenta ambas posturas o ambas acciones sino que al definirlas, las diferencia. La cuestión no estaría tanto en la necesidad o en el hecho inevitable de que una de las dos sobresalga por encima de la otra, sino en su diferenciación lingüística. En el momento en que nos ponemos a pensar sobre una obra artística o una serie de ellas, experimentando más o menos una experiencia estética o un trasvase de información y conocimiento al observarlas y entenderlas, y decidimos dejar por escrito dicha reflexión, es cuando ambas acciones se distancian en su definición y en su puesta en práctica. Pero también, o así queremos creerlo, se completan; dos partes que unifican fuerzas hacia una misma dirección cognoscitiva.

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La realidad y su doble

Texto realizado para el catálogo de la exposición Alien baló sorprendido del truco, de Ernesto Casero. Galería Paz y Comedias, del 16 de enero al 28 de febrero de 2009.

Existe una relación no del todo continua, más bien esporádica, entre la realidad y lo que realmente vivimos y sentimos como real. El arte tradicionalmente se había encargado de la representación de lo que nos rodea, de hacer de enlace entre ambas percepciones hasta que, llegado un momento, constató que lo que más le afecta en tanto que lenguaje es lo más próximo, sí mismo. Por este motivo, el arte actual se afana por representar lo real, incluso por ser más real que la realidad, y al mismo tiempo, también por mirarse el ombligo de su sintaxis, regodearse en su léxico, exhibir orgulloso su gramática. Cualidades que se sintetizan en su capacidad de ser cuestión de sí mismo, una de sus principales razones de ser y que no pocas veces es asimismo cuestionada por mostrarse encriptada, o de difícil acceso para la mirada de los espectadores.

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